1950년대 중반 이후 10년 동안 미국과 영국에서 "팝아트"라는 새로운 장르의 예술이 발전했습니다. "팝 아티스트"로 알려지게 된 사람들은 이 시기에 * * * 작품에서 유사점을 공유했습니다. 이들은 상업 문화와 일상적인 도시 생활의 대중적인 이미지를 소재로 사용했으며, 창작 방식은 산업화와 상업화를 반영하는 경우가 많았습니다. 팝아트를 탄생시킨 요인은 어느 곳에서나 찾을 수 있는 것이 아니라 전후 영국과 미국의 도시 문화가 팝아트 성장의 특별한 토양이 되었습니다. 이러한 도시 문화와 밀접하게 접촉한 예술가들만이 팝아트만의 독특한 스타일과 표현을 파악할 수 있습니다.
좁은 의미의 팝아트는 미국이 아닌 영국에서 시작된 것으로 알려져 있는데, 1952년 말 런던의 현대미술연구소에서 젊은 화가, 조각가, 건축가, 비평가로 구성된 그룹이 컨퍼런스를 개최하면서 시작되었습니다. 자칭 '독립적인' 이 그룹은 서양 영화, 우주 소설, 광고판, 기계의 아름다움 등 대중 문화와 그 중요성에 초점을 맞췄습니다. 당시 이러한 현상은 반미학적인 것으로 간주되었습니다. 이 그룹은 새로운 도시 대중문화에 집착했고 특히 미국식 표현에 매료되었습니다. 한편으로 당시 영국인들에게 미국은 나일론 제품부터 새로운 오토바이까지 모든 것을 갖춘 이상적인 국가로 여겨졌습니다. 반면 1940년대 영국 미술계는 심각한 낭만주의 투쟁의 분위기에 휩싸여 있었고, 영국 팝아트는 이에 대한 반작용이었습니다.
1956년 인디펜던트는 '디스 이즈 투모로우'라는 전시회를 개최했습니다. 이 전시회에서 가장 강력하고 영향력 있는 작품은 리처드 해밀턴이 입구에 붙인 포스터 '무엇이 오늘날의 가족을 그토록 매혹적으로 만드는가? (그림 1). 이 이미지는 근육질의 남성과 오만한 나체의 여성이 있는 화보를 오려낸 현대적인 평면입니다. 평면에는 텔레비전, 테이프 레코더, 확대된 만화책 표지, 포드 배지, 후버 광고 등 문화 상품이 가득합니다. 페인트칠한 창문 너머로 영화 '재즈 싱어'의 알 졸슨이 클로즈업된 영화 스크린을 볼 수 있습니다. 또한 이 남자는 커다란 막대사탕을 들고 있는데, 이 막대사탕에는 '팝'이라는 세 글자가 크게 적혀 있어 팝아트라는 용어는 막대사탕의 접미사이자 '팝 패션'의 약어이기도 합니다.
미국에서 팝아트는 1950년대에 번성했던 추상표현주의에 대한 반응이었습니다. 한편으로 추상표현주의는 전적으로 개인적이고 주관적이며 영적인 예술가의 독특한 개성을 드러내는 것으로 여겨졌습니다. 예술의 순수성을 강조하고 영적으로 고귀한 것으로 여겨졌습니다. 반면에 이러한 영성은 즉흥성에 있고 완전히 개인적인 것이기 때문에 후대의 많은 세대가 그것을 모방했기 때문에 누구나 이런 종류의 "우아한"예술을 할 수있는 것 같습니다. 안타깝게도 이러한 작품의 대부분은 눈부신 이미지 만 가지고 있지만 정신은 거의 보이지 않습니다. 눈은 많지만 실제로는 거의 없다고 말할 수 있습니다. 팝아트는 추상표현주의의 문제를 해결하기 위해 새로운 재료, 주제, 형태를 과감하게 실험했고, 1960년대에는 '생명'과 현대 도시 생활을 박물관과 갤러리에 가져왔습니다. '팝'이라는 타이틀을 전 세계적으로 대중화한 최초의 집단 전시회는 1962년 시드니의 자니스 갤러리에서 열린 뉴 리얼리스트 전시회로, 이 경향의 예술가들(유럽 예술가 포함)이 한자리에 모였습니다. 그 후 1963년에는 '여섯 명의 예술가'와 '대중 이미지'라는 두 개의 전시회가 열렸습니다.
미국은 어느 정도까지는 전 세계 모든 팝아트에 영향을 미쳤습니다. 할리우드 영화와 맥도날드 햄버거는 미국 상업 문화의 강력한 영향으로 전 세계 거의 모든 나라에서 볼 수 있으며, 이는 많은 문화에 스며들어 일종의 대중문화로 소비되고 있습니다. 반면에 팝아트는 '산업적' 예술입니다. 로이 리히텐슈타인은 "미국이 점점 더 산업화와 자본주의에 종속되면서 그 가치가 더욱 왜곡된 것 같다..."고 말한 적이 있습니다. 제 작품의 요점은 그것이 산업화되었고, 전 세계가 그렇게 가고 있다는 것을 보여주는 것이라고 생각합니다. 유럽도 곧 그렇게 할 것이므로 팝아트는 더 이상 미국적인 것이 아니라 세계적인 것이 될 것입니다."
팝아트는 위대한 예술은 어려운 예술이어야 한다는 유명한 비평가의 모토에 저항하며, 팝 아티스트들은 종종 더 쉬워 보이는 콜라주나 대량 복제를 사용합니다. "팝아트는 현대 영화의 인스턴트 커피이자 와이드스크린입니다. 그것은 수도사들이 지배하는 라틴어가 아니라 팝아트입니다." 팝아트의 매력은 그 범위만큼이나 광범위합니다. 팝아트는 모든 것을 포용하고 삶의 모든 일상적인 측면을 포용합니다. 여전히 예술이지만 예술을 위한 예술은 결코 아닙니다.
영미 팝아트 하면 미국인 라우첸버그와 재스퍼 존스, 영국인 리처드 해밀턴을 가장 먼저 떠올릴 수 있습니다. 라우첸버그는 1925년 텍사스에서 태어나 1940년대 후반에 공부를 시작했습니다. 일찍이 추상표현주의의 영향을 받은 그는 1950년대 초에 관객의 그림자만 있는 온통 흰색으로만 이루어진 일련의 그림을 그렸습니다. 나중에 그는 일련의 올 블랙 그림을 그렸지만 이것이 그의 첫 번째 그림은 아니었습니다. 이후 그는 맥주병, 판지 상자, 낡은 타이어, 신문, 사진, 밧줄, 자루, 베개 등 일상의 평범한 사물로 그림을 구성하는 '조립 회화'로 나아갔습니다. 캔버스와 캔버스에 고정된 오브제가 하나의 예술 작품을 구성하는데, '침대'(그림 2)가 이러한 작품의 대표적인 예입니다. 작가는 침낭과 베개를 캔버스에 걸고 그 위에 물감을 뿌리기만 하면 됩니다. 기성품을 이런 식으로 작품에 사용하는 목적은 예술과 생활의 경계를 허물기 위해서입니다. 그는 "그림은 예술이자 생활이며, 둘 다 만들어진 것이 아닙니다. 제가 하고 싶은 것은 그 중간 어딘가에 있습니다."라고 말합니다. 동시에 그의 작품에는 추상표현주의의 흔적이 남아 있으며, 종종 매우 과감합니다.
라우첸버그의 예술 철학은 블랙 마운틴 칼리지에서 일하던 중 만난 실험적인 예술가 존 케이지의 영향을 받았습니다. 1951년 케이지를 만난 두 사람은 가까워졌습니다. 케이지가 라우센버그에게 영향을 준 선의 관점은 "판단은 무의미하며, 예술은 삶과 다른 것이 아니라 삶의 행위여야 한다"는 것이었습니다.
라우첸버그는 커리어 내내 주변의 도시 및 기술 사회와 끊임없이 접촉했습니다. 그의 '합성'이라는 수단은 한 시대의 풍부한 이미지를 반영할 수 있습니다. 예를 들어, 기호 ""(그림 3)에서 우리는 스타 대통령 케네디, 흑인 지도자 마틴 루터 킹, 베트남 전쟁의 군인, 달에 착륙한 우주비행사 등 1960년대 미국을 특징짓는 모든 정보를 볼 수 있습니다.
존의 경력은 라우첸버그의 그것과 많은 유사점이 있습니다. 두 사람은 개발의 중요한 순간에 스튜디오를 공유하곤 했죠. 존은 독특하고 현실적인 이미지로 유명합니다. 숫자 행(그림 4-1), 과녁(그림 4-2), 미국 국기(그림 5), 미국 지도 등은 팝아트의 고전이 되었으며, 그는 이러한 이미지가 에너지를 발산하지 못한다고 생각했기 때문에 이러한 이미지를 선택했습니다. 그는 "그림은 다른 대상의 재현이 아니라 그 자체"라는 점을 강조하고 싶었습니다.
존은 자신의 작품을 통해 예술이나 사회에 대한 비판을 표현하려는 의도가 없습니다. 그가 보기에 예술가가 하고자 하는 것은 절대적인 자유이며, 판단에 의해 제한되어서는 안 된다고 생각합니다. 그는 대부분의 경우 작품이 오해를 받고 오용되며, 예술가는 작품이 평가되는 상황과 방식을 통제할 수 없다고 믿습니다. 그는 이런 웃지 못할 상황도 전혀 개의치 않습니다. 그의 유명한 조각품 중 하나는 맥주 캔 두 개를 철로 재현한 작품(그림 6)으로, 일반적으로 특정 사회적 현상에 대한 비판으로 해석됩니다. 하지만 사실 이 작품은 순전히 우연한 기회에 탄생했습니다. "저는 횃불과 전구 같은 작은 물건으로 조각품을 만듭니다. 그러던 중 이야기가 생겼죠. 어떤 이유에서인지 빌렘 드 쿠닝은 제 에이전트에게 짜증을 냈어요. 그는 '저 개자식, 맥주 캔 두 개만 주면 팔릴 거야'라고 말했어요. 저는 그 말을 듣고 '맥주 캔 두 개라니 정말 멋진 조각품이구나'라고 생각했어요. 제 취향에 딱 맞는 것 같아서 그렇게 했고, 에이전트가 그 캔들을 팔았습니다."
영국 팝아트 운동에서 리처드 해밀턴은 미국의 라우첸버그, 존과 대등한 위치에 있던 예술가였습니다. 세 사람은 다다이즘에 깊은 관심을 보였다는 점에서 더욱 닮았습니다. 해밀턴의 개인적인 성장 배경은 그의 예술적 업적에 큰 영향을 미쳤습니다. 대부분의 다른 예술가들과는 달리 그는 독학에 가까웠으며, 14세에 초등학교를 졸업한 후 여러 미술학교에서 야간 수업을 들으면서 광고 일을 시작했습니다. 교사로서의 경험은 그의 그림 경력에 또 다른 강력한 영향을 미쳤습니다. 오랫동안 디자인 과정을 가르치면서 문제 해결 능력에 특히 집중하게 되었고 실용주의자가 되었습니다.1957 그는 자신이 추구하는 자질은 대중적이고 일시적이며 저렴하고 재미있고 섹시하고 기발하고 화려하고 확실히 값싸고 대량 생산되는 것이라고 말합니다.
해밀턴은 미국적인 모티브를 광범위하게 사용했지만 미국식 예술가는 아니었습니다. 그는 항상 자신의 작품에 대해 기꺼이, 때로는 아주 자세하게 설명했습니다. 예를 들어 작품 '그녀'는 냉장고, 후버 및 기타 가전제품 사진, 젠틀맨 잡지 사진이 벽에 고정되어 있는 광고 모음입니다. 해밀턴은 작품에 대한 긴 설명을 덧붙였습니다. "50년대 작품 속 여성은 하수구 냄새, 병적 비만, 분홍색 갈라진 다리, 어리석음과 헤프닝을 연상시키는 등 작품 밖의 차가운 여성의 이미지와는 전혀 어울리지 않습니다. 정말 흥분하고 특히 섹슈얼리티를 보여줄 때 잘 행동하는 여성입니다. 가장 비싼 주얼리에도 불구하고 사람들은 여전히 그녀를 세련된 장식품으로 취급합니다. 광고의 관점에서 볼 때 여성에게 일어날 수 있는 최악의 상황은 여성과 환경이 우아하게 조화를 이루지 못하는 것입니다. 옷과의 조화처럼 여성과 환경의 조화는 우리가 그녀에 대해 어떻게 생각하는지를 결정할 수 있습니다. 섹스는 어디에나 있으며, 그 상징은 대량 생산의 화려한 사치품인 즙이 많은 플라스틱과 더 매끈하고 관능적인 금속에서 찾을 수 있습니다."
후반의 "I Dream of a White Christmas"는 초점면을 정교하게 변형한 작품입니다. 특히 해밀턴은 컬러 포지티브를 컬러 네거티브로, 영화 속 백인 가수를 흑인으로 바꿔 가수가 부르는 노래의 제목을 아이러니하게 암시합니다. 하지만 이러한 아이러니가 향수를 불러일으키지는 않습니다. 해밀턴의 작품에는 다른 영국 팝 아티스트들의 작품과 마찬가지로 미국 팝 아티스트들의 작품보다 더 매력적인 희미한 멜랑콜리가 있습니다.
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